Semblanzas y Biografía de Andy Warhol

Considerado uno de los artistas más emblemáticos del siglo XX, usted no puede dejar de conocer la Biografía de Andy Warhol el padre del Pop Art, el artista más polifacético y mediático de una época llena de dinamismo y muchos avances en donde pudo movilizarse por un ambiente lleno de celebridades, gente rica, modelos, actores y también las drogas.

Biografía de Andy Warhol

Andy Warhola nació en Pittsburgh, Estados Unidos, el 6 de agosto de 1928, sus padres Andrej y Julia Warhola, eran inmigrantes eslovacos que llegaron a Estados Unidos en 1914, provenientes de Miková, una ciudad que pertenecía al Imperio Austrohúngaro, hoy día República Eslovaca. Primero se vino su padre para trabajar en las minas de carbón, su esposa e hijos mayores llegaron siete años después en 1921.

Andrew Warhola, que era su nombre oficial nació siendo diferente, sus padres lo sabían y cuando empezó a hablar siempre expresaba que de grande sería rico y famoso. Cuando Andy estaba estudiando primaria comenzó a sufrir de una enfermedad que popularmente se le llamaba enfermedad de Huntintong, (también conocida como Baile de San Vito, o corea de Sydenham), una enfermedad que afecta al sistema nervioso haciendo que el cuerpo tenga movimientos en sus brazos y piernas que no se pueden controlar además de un desorden en la pigmentación de la piel.

Desde ese momento comenzó a ser hipocondriaco y sentía miedo de ir al médico y los hospitales. En esta primera etapa de su enfermedad llega al dibujo guiado por su madre, Julia quien en muchos casos llegó a firmar sus obras de manera profesional por su joven hijo. Su infancia bajo estas condiciones estuvo llena de mucho afecto, pero en la escuela, el problema empeoró cuando su piel se comenzó a manchar de color rosado, debido a la misma enfermedad.

Debido a  que su piel era demasiado blanca y su cabello exageradamente rubio, casi blanco, le daban una apariencia única, y las burlas en su salón comenzaron a ser una constante. Esta situación que pudo haberle afectado emocionalmente en verdad causó el efecto contrario, se sentía confortable que debido a su enfermedad, era el centro de atención en toda la escuela y fue la primera vez que logra experimentar la fama y sintió gusto en ello.

Con el impulso inicial que le dio su madre por el dibujo se motivó a estudiar en clases de arte. Su madre Julia a quien apodaban Bubba, siempre había sido una mujer conocedora, consumidora y creadora de arte. Como estaban recién llegados a Estados Unidos pasaron ciertas dificultades para poder sobrevivir, así que para ayudarse en los gastos de la casa, ella elaboraba flores en papel y floreros de lata para venderlos a las personas por 50 centavos.

Esta creatividad de trabajar con elementos tan simple causó una gran impresión en Andy que además de la pintura también sentía pasión por la fotografía y cualquier espacio que tuviera era aprovechado para hacer una expresión de arte. Detrás de él estaba también su hermano Paul ayudándolo y motivándolo a seguir adelante. Cuando tenía 14 años de edad su padre muere, pero ellos habían sido criados en un ambiente en donde debían estar siempre unidos ante cualquier problema.

Por lo que Paul asume el papel de jefe del hogar y se hace cargo de su madre y dos hermanos menores, para que ellos nunca desistieran de conseguir todo lo que deseaban. Paul fue quien se aseguró que Andy se abriera paso en el arte y le regala su primera cámara fotográfica, además de hacer la adaptación de un cuarto oscuro en el sótano de la casa.

La nieta de Paul Warhola, Abby, declaró que su abuelo siempre sintió admiración por su hermano Andy y además estaba orgulloso de todo lo que había logrado. Este sentimiento en verdad era mutuo, Andy jamás olvido que Paul había dejado a un lado sus sueños e ideales para poder mantenerlos y que hasta el momento en que fue jubilado fue que pudo retomar el camino de la pintura, no para mantenerse sino como una afición. Andy fue muy fraternal con toda su familia y siempre ayudó a todos sus familiares, estuvo pendiente de ellos y de todos sus hijos y descendientes hasta el momento de su muerte.

Andy hablaba con su familia tres veces por semana y disfrutaban juntos de un fin de semana en Nueva york cada cierto tiempo. Como la mayor parte de su infancia estuvo en cama, no tenía amigos y desarrolló una fuerte fijación de estar al lado de su madre, desde su cama dibujaba, escuchaba radio y comenzó a coleccionar imágenes de estrellas del cine que iba colocando alrededor de la cama, en esta etapa es que desarrolla lo que sería su personalidad futura, sus habilidades y gustos muy particulares.

Ya de joven decide que quiere estudiar Arte Comercial en el Carnegie Mellon University en Pittsburgh. Para 1949 decide irse a Nueva York para seguir una carrera en publicidad como ilustrador de revistas en Vogue, Harper´s Bazaar, Seventeen y The New Yorker. En la década de 1950 ya tenía un nombre establecido gracias a las ilustraciones que hacía de anuncios de zapatos, realizados a base de tinta, cuyas imágenes eran muy sueltas y trazadas, que se llegaron a exponer en la Galería Bodley de esta ciudad.

Debido a su manera de hacer arte fue contratado por la empresa discográfica RCA, por considerarlo un nuevo artista freelancer, así podría trabajar en el departamento de diseño gráfico de portadas de discos, cartelería y material para promociones. Esta carrera le dio éxito como ilustrador profesional, por lo que su trabajo comenzó a ser conocido en todo el mundo: pintura, cine de vanguardia y hasta en literatura, era buscado para que hiciera sus portadas, esto le ayudó a que fuera más notorio ante los medios de comunicación.

En este medio se destacó como un gurú de la modernidad, para ser un enlace entre los artistas e intelectuales, modelos, gente de la alta sociedad, homosexuales y muchas celebridades de Hollywood, en donde no faltaban los bohemios, drogadictos y algunos personajes urbanos de Nueva York. Usaba muchos materiales y elementos diferentes para crear sus obras: dibujos realizados a mano, pintura, grabado, fotografía, escultura, cine y música.

Comienzos de su Carrera

En la década de 1960, Warhol compra un dibujo en la Galería de Leo Castelli, este tenía un dibujo de una bombilla realizada por el artista Jasper Johns y después le mostraron un lienzo muy grande de un anuncio de un complejo de turismo en Catskill, que le llegaron a impresionar de tal manera que se sintió identificado con esta generación de artistas pop de Nueva York, porque era una manera de hacer publicidad con estereotipos.

Esto le motivo a hacer su propia exposición en la Galería Californiana Ferusel el 9 de julio de 1962 siendo su debut y el del movimiento pop art en la costa oeste de Estados Unidos, cuatro meses después realizó otra exposición, pero esta vez en Nueva York, en la Galería Stable de la Sra. Eleanor Ward. En esta exposición se pudieron apreciar tres de sus obras más reconocidas en la actualidad a nivel mundial: el Díptico de Marilyn Monroe, las Latas de sopa Campbell y 100 Botellas de Cola y 100 billetes de dólar.

En esta exposición conoce a John Giorno, con el que años después coincidirían en su primera película “Sueño” de 1963. Para Warhol las latas de sopa Campbell y las Coca Cola, eran íconos estadounidenses de la misma manera que podían serlo Marilyn Monroe, Troy Donahue o Elizabeth Taylor. Establece la creación de su estudio The Factory, en donde estarían muchos artistas, escritores, modelos, músicos y muchas celebridades del momento.

Su taller decorado con hojas realizadas en papel de aluminio de color plata, se había ubicado en un principio en la Calle 47, después lo llevó a Broadway, en donde sus obras comenzaron a darse a conocer y desatando muchas polémicas y discusiones sobre cuál era su papel como artista y la finalidad de sus obras de arte.

Sus obras de arte eran imágenes de personas que realizaba con objetos que eran impersonales, fuesen estos billetes de dólar o nuevos productos que salieran al mercado, usaba algunas imágenes de periódicos, diversos carteles y televisión para hacer su propio paraíso personal, en donde se pudieran colocar elementos típicos de Estados Unidos de esa época: la silla eléctrica, fotos de policías golpeando manifestantes por los derechos civiles y también fotos de las celebridades.

Cuando le preguntaron el significado de su cartel de coca cola, este indicó que Estados Unidos era un país tan genial en donde los consumidores de más dinero tenían los mismos gustos que los consumidores más pobres. Warhol decía que si alguien ve la televisión y ve una coca cola, sabe que el Presidente beberá coca cola, los artistas tomaran coca cola y que uno mismo podía tomarse una coca cola. Por más que tengas mucho dinero nunca vas a encontrar una coca cola que sea mejor que otra porque todas son iguales, son buenas y eso todo el mundo lo sabía.

En diciembre de 1962 el MOMA realizó un simposio donde la nueva cultura del Pop Art, sería analizada, pero Andy Warhol y otros artistas más fueron duramente criticados porque se habían rendido ante el llamado consumismo. Para esas grandes élites que se llamaban a sí mismos críticos de arte este entusiasmo de Warhol por el consumismo les parecía confuso y no aceptable.

Para esta década de 1960, este simposio era el que iba a indicar de qué manera se tomarían las obras de Warhol, aunque los cambios se profundizarían aún más con el pasar de los años, la cultura y el arte también sufrirían de muchas variaciones, Andy Warhol sería una de las personas de más importancia que intervendría para que esos cambios se diesen.

En la exhibición “El Supermercado Americano”, que se realizó en 1964 en la galería de Paul Bianchini, del Upper East Side de Manhattan, se suceden eventos cruciales, porque la misma había sido organizada como el típico supermercado pequeño en Estados Unidos, y en donde los productos de exhibición eran las obras de artistas del arte pop: Mary Inman, Robert Watts y Billy Apple. Allí es donde Andy Warhol expone su famoso cartel de las latas de sopa Campbell con un precio de 1500 dólares.

Para aquel entonces una lata de estas solo costaba 6 dólares, este fue el primer acto que tenía con publicó en donde debió enfrentarlos y defender su estilo de pop art y las situaciones que se planteaban en la vanguardia clásica, sobre lo que se consideraba arte. Diez años antes ya había pasado su etapa de ilustrador comercial, por lo que debió acudir a varios asistentes para que la productividad de su taller de arte pudiera aumentar.

Pero en estas colaboraciones también surgieron discusiones sobre su manera de trabajar y de cómo valoraba su arte, uno de estos colaboradores fue Gerard Malanga, que se encargaba de las serigrafías, películas, esculturas y algunas otras obras en The Factory. De manera esporádica trabajaban para él Freddie Herko, Ondine, Ronal Travel, Mary Woronov, Billy Name y Brigid Berlin, esta última le da como sugerencia que grabara sus conversaciones por teléfono, que después serían parte fundamental para la realización de varios de sus libros.

Otro grupo de personas con las cuales se rodeaba Andy Warhol eran los llamados excéntricos y bohemios, este prefería llamarlos Superstars y entre ellos estaban los conocidos Edie Sedgwick, Viva y Ultra Violet. Ellos eran parte de las películas que hacía Warhol y fueron amigos hasta la muerte del mismo. Otras amistades fueron la cantante Frangeline, John Giorno y el cineasta Jack Smith, que mostraban su relación con diversas clases de producción artística.

Ya finalizando esta década Warhol era una celebridad y siempre solía aparecer en las notas de prensa, escoltado por algunos de sus miembros de la Factory. En el año 1965 el grupo de música The Velvet Underground de Lou Reed, conoce a Andy Warhol y este se convierte en el mánager del grupo y les sugiere que ingresen al mismo a la cantante alemana Nico.

El disco de este grupo salió en 1967 con el nombre de The Velvet Underground and Nico, siendo su productor Andy Warhol, pero por muchas diferencias que surgieron en el grupo Nico se retira del mismo y ya los servicios de Andy no eran necesarios.

Atentado contra Andy Warhol

El día 3 de junio de 1968, Valerie Solanas dispara contra Andy Warhol y el comisario Mario Amaya, en la entrada de The Factory. Solanas, era parte del grupo de Warhol en The Factory, y siempre había mantenido un perfil muy discreto. Ella es la encargada de escribir el manifiesto SCUM, un escrito que hablaba en contra del patriarcado para defender los derechos feministas de la época, con el paso de los años este manifiesto tuvo mucha importancia en el movimiento feminista.

Solanas aparecía en varias películas de Warhol, y un año antes del atentado esta le habría entregado un proyecto de obra de teatro para que Andy Warhol lo estudiara y que fuera su productor. Este recibió el proyecto, pero nunca se los devolvió a Solanas, quizás el productor no quiso hacer la obra de teatro y tampoco una película con el mismo, y manifestó que ese escrito se le había perdido. Solanas en ese momento pasando por un periodo de inestabilidad emocional y desequilibrio mental, enfureció y disparó contra los dos hombres.

Amaya recibió heridas menores, pero Andy Warhol recibió tres disparos, dos de ellos de gravedad que le dejaron secuelas de por vida, tanto así que las mismas se tomaron en cuenta para hacer sus obras de arte posteriores. Valerie Solanas esa misma tarde se entregó a la policía y dijo que Warhol solo quería robarle su trabajo y que además había controlado su vida. Un juez emitió una orden para que fuera trasladada al Hospital Psiquiátrico de Bellevue para que fuera observada y analizada.

En el juicio se declaró culpable de intento de homicidio, asalto y porte ilícito de arma, fue sentenciada tres años de prisión, y Andy Warhol no quiso testificar en su contra. Fue inhabilitada mentalmente por el juez y enviada al Hospital Ward Island. Después de este tiroteo The Factory tuvo las entradas más restringidas y controladas, y además fue uno de los hechos que hizo que el local comenzara a declinar a fines de los años 60. Este tiroteo pasó desapercibido por la muerte de Robert Kennedy dos días después.

Años de Tranquilidad: Década de 1970

En la década de 1970 Andy comienza una nueva etapa de emprendedor, y se pasaba mucho tiempo buscado a los artistas y estrellas famosas para pedirles que se dejaran retratar. En su lista estaban incluidos Mick Jagger, Liza Minelli, John Lennon, Diana Ross, Brigitte Bardot y Michael Jackson. De esta época destacan su retrato al líder comunista de China Mao Zedong del año 1973. Poco antes había fundado la revista Interview apoyado por George Malanga y en 1975 publica su libro “La filosofía de Andy Warhol”.

En el mismo hace una exposición de cuál es su pensamiento, de una manera contundente y aplicando el sentido del humor, también en ese tiempo era un asiduo visitante de varios clubes de Nueva York como eran el Max´s Kansas City, el Serendipity 3 y posteriormente el más conocido y famoso de la época Studio 54.

Con un carácter lleno de tranquilidad, e inclusive tímido solo se limitaba a observar en estos sitios, para el crítico de arte Robert Hughes, Warhol era como un lunar blanco en Union Square. También en esta época su estilo de ruptura en el arte se comenzó a asimilar en muchas galerías y en los círculos de las personas más adineradas, a los cuales gustaba satisfacer sus retratos por encargo. En esta etapa de su vida gustaba hacer retratos de algunas de sus amistades y clientes en la discoteca Studio 54 como fueron Carolina Herrera, Liza Minnelli y Elizabeth Taylor.

Fue contratado por los fabricantes de autos para que pintara sus vehículos de competencia y que estos fueran más llamativos, una de las marcas que más lo buscaban era la BMW, con el nace el llamado art car (arte de carros), estos vehículos eran los que se usaban en las competencias de las 24 Horas de Le Mans. También se dedicó a guardar muchas cosas cotidianas en las llamadas cápsulas del tiempo, esas eran cajas de cartón. Para 1979 hace una exhibición de importancia en el Whitney Museum de Nueva York con los retratos Portraits of the Seventies (Retratos de los años 70).

Década del renacimiento: Años 1980

En la década de 1980 comienza un renacer para Andy Warhol, debido a las nuevas relaciones que consigue en el mundo del arte, quienes llevaban todas las nuevas tendencias en el mercado, entre ellos Jean Michel Basquiat, Julian Chnabel y David Salles, entre muchos otros, que estaban en la nueva onda del neoexpresionismo.

Andy Warhol también buscaba la compañía de artistas de la transvanguardia de Europa como Francesco Clemente y Enzo Cucchi. En esta época era acusado de ser un artista que se había convertido en negociante. Y a finales de la década anterior solo habían críticas negativas de los retratos de celebridades que había realizado a los largo de esa década, entre las que lo tildaban de ser superficial, artista fácil y comercial, además que sus trabajos carecían de profundidad y no tenían significados por sus temas.

Por esas críticas en 1980 hace su nueva exposición “Genios Judíos” en la ciudad de Nueva York la cual es recibida con total frialdad. En la actualmente se considera que este trabajo superficial y comercial de Warhol es uno de los reflejos de mayor importancia de toda la época contemporánea, en donde logra capturar la esencia de la cultura americana  de la década de 1970. Para Andy Warhol no había nada mejor que el glamour de Hollywood, decía amar la ciudad de Los Ángeles y Hollywood, para él eran ciudades hermosas, en donde todo era plástico, y él amaba el plástico y quería ser de plástico.

Para 1981 tiene un nuevo comienzo haciendo cuadros de artistas del renacimiento como Da Vinci, Boticelli y Ucello. En 1983 hace el retrato del cantante español Miguel Bosé que sería usado como la portada de su disco Made in Spain y que después se usaría nuevamente en el disco Milano-Madrid del mismo cantante. Supuestamente el cantante pagaría una fortuna por ese retrato y el artista en su nuevo libro le mencionaría como el hijo de un torero español, porque apenas conocía a este cantante.

Hace la producción de un videoclip llamado “Ángeles Caídos” en donde él participó y luego se va a Madrid a una exposición, en donde le reciben Pedro Almodóvar, Favio McNamara y otras personalidades de la ciudad, a pesar de todo el glamour y de lo que se esperaba la venta de boletos para la exposición fue escasa. La producción de retratos de grandes celebridades aumentó en esta década, y ahora se sumaban grandes magnates, diseñadores, empresarios y la gente más rica, Valentino el gran modista fue uno de ellos.

Warhol llegaría a contar que viajó varias veces a Europa para tomar fotos con una Polaroid a varios empresarios alemanes para hacer retratos. Sus últimas obras pintadas los retratos de Lenin y de Mao Tse Tung, además de varios autorretratos.

Muerte de Andy Warhol

Andy Warhol murió el 22 de febrero de 1987 a las 6:32 de la mañana en la ciudad de Nueva York. Días antes había sido operado de la vesícula en el New York Hospital, y había estado presentado dificultes en la recuperación además de arritmias cardíacas. Su muerte ocurrió de manera repentina. La operación fue tardía debido al miedo que este sentía por los médicos y los hospitales.

Fueron sus hermanos quienes reciben el cuerpo de Andy Warhol y los que le llevan hasta Pittsburgh para el respectivo funeral, su velatorio se realizó en el Thomas P. Kunsak Funeral Home con una ceremonia de Corpore insepulto. Su ataúd estaba elaborado en bronce macizo, con adornos dorados y soportes blancos. Le colocaron un traje negro de cachemira, corbata estampada de cachemira, peluca plateada y sus conocidas gafas de sol.

En sus manos le colocaron un breviario y una rosa de color rojo. El funeral se hizo en la Iglesia católica Bizantina del espíritu Santo, en el North Side de Pittsburgh. Se encargó al Monseñor Peter Tray el pronunciamiento del encomio y dentro de los asistentes estuvo presente la viuda del cantante John Lennon, Yoko Ono. Todo el féretro fue cubierto de rosas blancas y de brotes de esparragueras. Luego de realizada la liturgia el ataúd se llevó al cementerio católico bizantino de San Juan Bautista en Bethel Park.

Se realizó una oración muy corta y se roció con agua bendita el ataúd para después proceder con su descenso. Paige Powell dejo caer una copia de la revista Interview, una camiseta de la revista y una botella del perfume Beautiful de Estée Lauder, que a Andy Warhol le gustaba. En la tumba de al lado estaban los cuerpos de su madre y padre. A las pocas semanas en Manhattan se realizó un servicio en su conmemoración.

Todas sus propiedades fueron dejadas a sus familiares por medio de un testamento, con la intención que se pudiera crear una fundación que se dedicara exclusivamente al avance de las artes visuales. Se requirieron de nueve días de subastas en Sotheby´s para vender sus posiciones luego de su muerte y en total lograron recaudar más de 20 millones de dólares, pero esta fortuna sería aún más grande con el monto de las astutas inversiones que él había realizado a lo largo de su vida.

Fue en el año 1987 que la fundación que él mismo pidió que fuese creada, se inauguró, y es el representante legal de todas las imágenes de Andy Warhol además que defiende su misión de ayudar a la innovación de las expresiones el arte y de todos los procesos creativos.

Sexualidad de Andy Warhol

Andy Warhol nunca oculto que era homosexual, aunque siempre se mantuvo jugando con una ambigüedad sexual. Entre 1950 y 1960 Andy Warhol debió sufrir de muchas censuras en sus obras de arte debido a su homosexualidad. Debido a estas censuras él llegó a suprimir de manera consiente cualquier señal de homosexualidad en sus trabajos, justamente hasta que sus obras de arte pop comienzan a triunfar, por lo que se puede decir que tenía una imagen ambigua o asexuada.

La popularidad que experimentó en la década de 1970 le permitió tener una liberación de esa presión en su estudio, pudiendo enfocarse en hacer obras de desnudos masculinos y varias películas como Blow job, My Hustler y Lonesome Cowboys, que en un principio solo se podían ver en cines que pasaran películas pornográficas para homosexuales, comenzando una nueva subcultura gay underground en donde podían hacer una exploración de la complejidad existente entre el deseo y la sexualidad.

Su carácter afeminado con respecto a otros artistas declarados homosexuales como en la época de Jasper Johns o Robert Rauschenberg hacían que se ocultara al público las orientaciones sexuales de los artistas y en ese momento no se podía hacer nada con esta situación, por eso él decide  que no se iba a preocupar porque eran cosas que no pensaba cambiar de ninguna manera y que además era de la opinión que no debían ser cambiadas, que tal vez otras personas podrían asumir un cambio de actitud pero que en su caso no sería así.

Lo que sí es cierto, es que la sexualidad de Andy Warhol tuvo influencia en su obra y también sobre la manera de cómo pudo modelar su relación con otras personas. En su obra “Popism: The Warhol Sisties” hizo una referencia al tema. Como la mayor parte de sus películas fueron estrenadas en cines para público homosexual no es nada extraño que la mayor parte de sus obras iniciales tuvieran esa connotación sobre todo cuando hace la presentación de sus dibujos homoeróticos en su primera exposición, en donde fue considerado muy abiertamente gay.

El cineasta Emile de Antonio sostuvo una conversación sobre Warhol indicando que tenía muchas plumas y que eso era muy molesto, pero Warhol se defendía al respecto, y para muchos de sus biógrafos esos años fueron los que hicieron que su carácter se desarrollara. Por tanto el mismo no hacía ningún tipo de comentarios de sus obras, y menos hablar de sí mismo, simplemente contestaba con un sí o un no, o dejaba que otras personas respondieran por él.

Creencias Religiosas

Andy Warhol era un fiel creyente y practicante del rito bizantino de la Iglesia Católica Bizantina Rutena. Por ella llegó a ser voluntario en muchos albergues de indigentes de la ciudad de Nueva York, sobre todo en las peores épocas del año y gustaba decir de sí mismo que era muy religioso. En las últimas obras de Warhol podemos ver algunas representaciones de obras con temas de religión “Detalles de Pinturas Renacentistas” de 1984 y “La Última Cena” de 1986.

Después de su muerte se consiguieron entre sus documentos tres dibujos de tipo religioso en su apartamento. Para todos Andy Warhol iba con frecuencia a Misa y el mismo párroco de la iglesia que frecuentaba, el Templo de San Vicente Ferrer de Nueva York, afirmó que casi iba a diario a la misma. Su madre era una mujer devota católica y ambos solían rezar juntos en la casa y en la iglesia.

Al morir su madre el continuó yendo a misa, y se ha mencionado que su estilo estaba influencias por la iconografía oriental cristiana. Uno de sus hermanos afirmó muchas veces que Andy era profundamente religioso, pero que este no lo hacía público para que la gente no se enterara, ya que para él su orientación religiosa era algo privado.

Producciones artísticas

Andy Warhol era una persona que prestó todo su apoyo a cada uno de sus asistentes para hacer sus pinturas y esto también se puede evidenciar en las obras cinematográficas que realizó. Cuando hace la fundación de su revista Interview fue una bandera de lanza para los artistas que él llegaba a patrocinar y veía que éste era un buen negocio para los amigos que le colaboraban.

En su obra literaria se pueden ver la colaboración con Pat Hacket, fue uno de los padrinos de las obras del explosivo Jean Michel Basquiat cuando aún nadie lo conocía y llevó al grupo The Velvet Undreground para que fuera una banda reconocida internacionalmente. En la vida actual se considera que Andy Warhol fue un productor de personajes y superestrella muy inquieto y activo, además de ser un talentoso hombre que podía detectar aptitudes artísticas y profesionales inmediatamente.

Por eso de la misma manera que alentaba el consumo de algunos productos, hacía publicidad y se le invitaba con frecuencia a diversos programas de televisión. Andy Warhol defendía el arte no solo por ser arte sino también como un negocio, la cual quedó plasmada en su obra “La filosofía de Andy Warhol: de la A a la B y de la B a la A”.

Obras de Andy Warhol

Antes de la década de 1960 Warhol prácticamente era solo un ilustrador comercial que tenía mucho éxito. La empresa de zapatos I. Millar le contrató para que hiciera muchos dibujos de sus zapatos, que no solamente eran detallados sino también muy elegantes, por lo que los mismos lograron ser muy populares. Estos dibujos habían sido realizados a base de tinta, con líneas muy desenvueltas que se podían alternar con un estilo monoprint, que es lo que le distingue en su primera etapa de artista.

Para esa fecha un estilo que se basara en un mundo artístico y comercial al mismo tiempo, no era muy usual, la mayor parte de los artistas de la época trataban de ser discretos en su condición como profesionales de la publicidad. Es la fama de ilustrador de Warhol lo que le lleva en un primer momento a tener un obstáculo para que fuera considerado un artista. Sus primeros intentos de llevar su arte a exposiciones no dieron los frutos esperados.

De esta primera época es donde surge lo que quería hacer sobre su arte y como trabajarlo en el mercado, desde entonces hizo críticas a la separación y quiso hacer una nueva cultura comercial y popular para llevar los temas artísticos. El pop art se estaba destacando como una nueva corriente que, muchos artistas de la época estaban explorando de manera muy aislada, entre ellos estaban Roy Lichtenstein y Warhol, este último sería considerado como el verdadero padre del Pop Art.

La manera como Warhol se sumergió en este mundo o movimiento de arte fue tomando imágenes de dibujos animados y anuncios de la televisión que lograba pintar con mucho cuidado y las salpicaba con pintura, estas gotas de pintura eran una simulación de un aspecto expresionista de tipo abstracto en los Estados Unidos, que en ese momento era una nueva moda.

Pero poco a poco Andy Warhol logra ir retirando estas imágenes para dejar solamente el icono de una marca comercial, una celebridad o hasta solo del símbolo del dólar, quintando cualquier tipo de vestigio que tuviera que ver con la manos de una artista en cada una de sus pinturas. Con este trabajo le devuelve al arte el calor de ser algo mental, tal como Leonardo Da Vinci lo había determinado en la época del renacimiento.

Este artista logró hacer una extrapolación de su conocimiento de un mundo netamente comercial para llevarlo a una faceta de arte, podía intuir como hacer una definición de un nicho comercial para definir un tema en el arte. Lichtenstein usaba dibujos animados, Jasper Johns usaba la tipografía y Warhol quería hacer una nueva distinción estética.

Fueron sus amigos quienes le hacen la sugerencia que pintar las cosas por las que sentía amor, y en su manera muy peculiar de tomarse las cosas de una manera literal hace la primera exposición de importancia cuando pinta las latas de sopa Campbell, que para ese entonces era uno de los almuerzos que con más frecuencia se consumían en todo Estados Unidos y que el mismo había consumido por años.

Esta obra se vendió por 10 mil dólares en una subasta el 17 de noviembre de 1971 en la casa Sotheby´s de Nueva York, precio que si bien es cierto es una suma irrisoria por una latas de sopa, no se comparan con los seis millones de dólares que se obtuvieron más recientemente por esta misma obra en una subasta. El amor de Warhol por las celebridades de la época hace que su deseo de pintarlas aumente, y estos pasos son los que le definen poco a poco en su propia marca personal.

Esta era la manera de quitar la huella personal de un artista para dar beneficio a los temas que no se consideraban arte pero que eran parte de la esencia de la cultura de una sociedad y del bienestar del pueblo estadounidense. Sus trabajos frecuentes en serigrafía y en algunos casos en diapositivas hacen que su carrera de pintor se afiance y debe hacer la contratación de personal para que le ayudaran a hacer el procesamiento de sus imágenes, claro está siempre bajos sus propias indicaciones en donde podían hacer variaciones y varias versiones de un mismo tema.

El auto BMW que pintó para la exposición del proyecto de BMW Art Car, que en los proyectos anteriores dados a otros artistas, primero hacían un diseño a escala para después pintarle vehículo, Andy decidió pintar directamente en el auto y se tardó solo 23 minutos en terminar su obra. Estas obras tomaron un poco más de seriedad después del atentado contra Andy Warhol, así como podía tomar temas cómicos en sus obras también tomaba temas de mayor seriedad.

Seguía usando la serigrafía, el offset, pintura de tonos planos con colores brillantes, todas ellas para hacer las representaciones de celebridades, objetos de la vida cotidiana, accidentes de autos, imágenes de personas suicidándose, desastres naturales, todas ellas hacen que se tomen tragedias de tipo personal para que se conviertan en espectáculos públicos que posteriormente se convirtieran en una cultura de medios de masas.

Es su estilo deliberado, inexpresivo y las construcciones de personajes que parecen imperturbables lo que se convierten en un elemento unificador de su obra. Todos estos nuevos rasgos hacen la personalidad de  Andy Warhol, que ante las personas tenia preferencia de hacerse pasar por tonto antes que hacer alguna declaración sobre sus trabajos ante los medios, una vez llegó a decir que todo lo que se necesitaba saber de su arte estaba allí en la superficie del cuadro.

Muchos de sus dibujos realizados en tinta recuerdan al test de Rorschah, y estos motivaban la pregunta sobre que se puede considerar arte, también su papel de pared de vacas, el cual estaba pintado con estampado de vacas o las pinturas realizados con oxidación, dieron mucho que hablar en su tiempo, estas últimas eran realizados en lienzo los cuales se preparaban con ciertos materiales de cobre, que se sometían a un proceso de oxidación por medio del uso de orina.

Uno de sus biógrafos tomó un testimonio de uno de sus ayudantes y este afirmó esta versión y además dijo que en ocasiones aparte de Andy Warhol se llamaban personas de la calle para que fueran a orinar los lienzos. En su obra no terminada de “La Última Cena” ya presentaba un carácter de arte más religioso, que sería nuevo en toda su obra, y que fue considerada por sus críticos como la mejor de todas sus series, además de ser la de mayor producción para un artista estadounidense.

Películas de Andy Warhol

Andy Warhol fue un cineasta experimental con una carrera muy productiva. Entre 1963 y 1968 fue productor de más de 70 películas. La más conocida de ellas es “Sleep” en donde el protagonista John Giorno dormía por seis horas. Hizo un cortometraje en 35 milímetros llamado “Blowjob” en donde hizo muestras en segundo plano de DeVeren Bookwalker en una supuesta escena de sexo oral con Williard Maas.

En otra de sus producciones “Empire” la cámara hace una toma completa del Edificio Empire State en un amanecer, y la película completa duraba ocho horas. Andy Warhol no tomaba en cuenta cuanto tiempo debía durar una película. En la película “Eat” grabó una escena de 45 minutos en donde un hombre solo aparece comiéndose un champiñón, esta película junto a “Sleep” y “Kiss” fueron una serie de películas llamadas estáticas, y en donde hizo la contratación del músico LaMonte Young para la creación de la banda sonora.

En un cambio de estilo, en 1964 produce y dirige “Batman Drácula”, película basada en el personaje de DC Comics, que no fue aprobada por la misma, ya que es hasta hoy día la propietaria de la marca y del personaje Batman. Por tanto no pudo ser llevada al cine sino solo exhibida en exposiciones, Andy Warhol al respecto dijo que era un admirador de la serie y que esta película solo había sido una manera de demostrar un homenaje al héroe de pero desde su óptica personal.

Se considera que esta película es la primera forma en que se pudo representar a Batman en una estética Camp. Además la misma estuvo perdida hasta el año 2006, en donde un filme llamado “Jack Smith y la Destrucción de Atlantis”, un documental que se estaba proyectando, aparecieron fragmentos de la película de Warhol.

Un año después de Batman Drácula, hizo la producción de “Vinyl”, una corta adaptación de la distopía de Burgess “A Clockwork Orange”. Algunas otras de sus películas eran grabaciones improvisadas en donde se pueden ver algunos encuentros de celebridades en The Factory: Viva, Edie Sedgwick, Candy Darling, Ondine, Nico, etc. La que mayores éxitos le pudo representar no solo por la aceptación por parte del público sino también por parte de la crítica fue “Chelsea Girls” del año 1966.

Fue tan innovadora por el uso de dos proyectores de 16 milímetros que funcionaban de manera simultánea, cada película era una historia diferente y tenían lecturas simultáneas de lo que sucedida sin llegar a tener una conexión entre ellas. El sonido era regulado en la cabina de proyección para que en determinados momentos alguna de ellas estuviera por encima de la otra. La multiplicación de las imágenes se parecían mucho a los trabajamos de serigrafía de Warhol en donde se superponían imágenes una sobre otra.

La división de la pantalla en dos partes para las películas tuvo una gran resonancia años después en grabaciones posteriores con un valor de multi narración. Después hizo las producciones de "Bike Boy", "My Hustler", y "Lonesome Cowboys", esta última una especie de película del western en donde Andy Warhol participó interpretándose a sí mismo. Todas sus películas al final tuvieron una trascendencia como documentales de la incipiente cultura gay de la época y en la actualidad se encuentran en un lugar de honor en los estudios de arte y de sexualidad.

Su última película siendo director fue “Blue Movie”, en ella actuaba la estrella Viva, súper estrella de The Factory, en una escena hacía el amor con un hombre por más de 33 minutos, por muchos años la artista se negó a que la película fuera llevada a cines públicos, porque las imágenes fueron demasiado polémicas en su momento. Su proyección en cine se realizó en el año 2005 en la ciudad de Nueva York, treinta años después de haber sido filmada.

Después de su atentado en 1968 este fue un poco más reacio a la producción y filmación de películas, sería su colaborador Paul Morrissey quien siguiera haciendo las películas del colectivo en The Factory pero en esta ocasión un poco más convencionales y narrativas, para que fueran calificadas tipo B y algunas otros de estilo contestatario como fueron “Flesh", "Trash", y "Heat" (1972). Con todas estas películas que incluyeron una producción de Drácula y de Frankenstein al estilo Warhol, fueron destinas a un público completamente adulto, antes que al público sofisticado que siempre apreciaba las obras del artista.

Andy Warhol y su Participación en la Música

Para los años sesenta Andy Warhol se hizo el mánager de la banda The Velvet Underground, y les llevó a que fuera una de las bandas cruciales en la exposición multimedia, Exploding Plastic Inevitable, que él mismo organizaba. Después colocó a Paul Morrissey como el agente del grupo y le introdujo a la cantante Nico, la portada de su primer disco fue decorada por el propio Warhol, pero este como productor lo único que hizo fue conseguirles el estudio de grabación.

Una vez que el disco salió a la venta el líder de la banda Lou Reed y Warhol comenzaron a tener discusiones y diferencias sobre cuál era la dirección que debía seguir el grupo, y fue por estas tensiones que se llegó al final de esta relación. Andy Warhol fue un poco más allá después que alcanzara la fama y es buscado para hacer las decoraciones de muchos discos:

• Disco de John Wallowitch “this is John Wallowick” en 1964.
• Álbum de los Rolling Stones “Sticky Fingers en 1971 y el de “Love You Live de 1977.
• En 1975 hizo algunos retratos de la cara visible de toda la banda Rolling Stones, Mick Jagger.
• Para el cantante John Cale hizo el diseño de la portada del disco “Honi Spit” en el año 1981.
• La cubierta del Disco “Silk Electric” de Diana Ross fue diseñada por Warhol.
• Y el álbum póstumo de John Lennon “Menlove Ave” también se le encargó el diseño de su portada.

En general sus relaciones en el mundo musical eran muy buenas. Entre sus amistades de la música se encontraban Deborah Harry, Grace Jones, Diana Ross y John Lennon. El famoso videoclip que surgiría en los años 70 fue una de sus muchas inquietudes en la música. Creó una productora de vídeos y realizó los vídeos de los sencillos “Misfit” de los Curiosity Killed the Cat y el de “Hello Again” del grupo The Cars, en donde tuvo una participación de un barman.

Pero esta relación no solo era de tipo profesional, Andy Warhol tuvo una marcada influencia en la llamada New Wave, entre las que estaban la banda Devo, artistas jóvenes de la época como David Bowie, quien incluyó el nombre de Andy en su canción “Hunky Dory” del año 1971, y hasta el propio Lou Reed en su canción “Andy Chest”, en donde canta sobre su atentando de 1968 por Valerie Solanas. Y aunque la canción fue grabada años antes la misma no salió sino en el año 1985 en el álbum VU.

La Edición de Andy Warhol

Desde que comenzó su carrera en la década de 1950 Andy Warhol, siempre realizaba portafolios de todos sus trabajos para después mostrarlos, comenzó a realizar libros con ellos, el primero le colocó el nombre de “25 Cats Name Sam and One Blue Pussy” que salió por primera vez en 1954, impreso por Seymour Berlin, la producción fue realizada en papel Arches que tenían marcas de agua e ilustraciones de litografías que se hicieron con el conocido estilo emborronado de Andy Warhol.

La primera edición solo constaba de 190 ejemplares, que fueron coloreadas a mano con tinta de acuarela del Dr. Martin´s. La mayor parte de estos libros fueron regalados por Andy Warhol a algunos de sus clientes y mejores amigos. La número 4 tenía la palabra “Jerry” manuscrita en la cubierta y fue un regalo de Warhol a Geraldine Stutz y se usó en el año 1987 para ser modelo de una edición en copia. El original se llevó a una subasta pública en mayo del año 2006 por Doyle New York y se vendió por la cantidad de 35 mil dólares.

Otros libros que fueron editados por Warhol fueron “A Gold Book”, “Wild Raspberries” y “Holy Cats”. Una vez que Andy Warhol se convierte en toda una celebridad decide escribir varios libros para venderlos con fines netamente comerciales:

A Nobel: una especie de transcripciones literales de muchas grabaciones que fueron realizadas por Ondine y otras visitantes de The Factory. En si son muchas charlas con saludo y despedidas, que se transcribieron con todas las faltas de ortografía y murmullo que no se entendían de dichas grabaciones. “La Filosofía de Andy Warhol (Desde la A a la B y de la B a la A)": son algunos estrictos de comunicaciones realizadas por teléfono del artista con Pat Hackett, por lo general cuando éste se iba de viaje, muchas de ellas eran conversaciones que el propio artista grababa en cintas.

Popism: The Warhol Sixties del año 1980 es una investigación que hace el propio artista haciendo una retrospectiva a los años sesenta y de cómo comenzó el auge del Pop Art. The Andy Warhol Diaries, del año 1989, fue editado por Pat Hackett, y es un diario que el propio Warhol le dictaba a Hackett en muchas conversaciones telefónicas que tenían todos los días. Andy Warhol le dio permiso para que revisara las mismas y ver sus gastos después de varias revisiones fiscales, pero de manera repentina logró evolucionar hasta llegar a incluir observaciones de tipo personal y diversos comentarios como artista.

La revista Interview, una publicación que trataba sobre la moda y que en la actualidad aún es publicada, fue creada por Andy Warhol, el título en forma de garabato de la portada fue realizado por la mano de Warhol, pero también se ha especulado que fue realizado por la madre de Andy, Julia Warhola, que solía frecuentar el trabajo de su hijo y ayudarlo en algunas de sus primeras piezas comerciales, uno de estos ejemplares fue enterrado junto al artista.

Otros Campos del Artista

Como artista Andy Warhol se expresaba a través de medios muy diversos, pero se destacó más por sus pinturas y por ser un realizador de diversos proyectos. El dibujo fue parte de su esencia como pintor, pero como realizador se destacó por sus diseños emborronados de los anuncios de marcas de zapatos. Una gran parte de sus dibujos fueron publicados por él mismo en folletos entre ellos el “A Gold Book” del cual ya hablamos. El título de este libro se debió a que tenía una hoja dorada decorando sus imágenes.

Dentro de la escultura la más conocida del mismo se encuentra la “Caja de Brillo” una réplica de una serigrafía de madera de cajas de detergente muy conocido en su época. Las cajas de Brillo era una parte de una serie de esculturas que iban a representar diversos objetos que se conseguían en tiendas de barrios, como serian la salsa de tomate Kétchup Heinz o las latas de sopa Campbell.

Otra de ellas fue la Silver Clouds, que consistía en una serie de globos plateados de Mylar que tenían la forma de una almohada, estas representaban unas nubes y fue llevada a la exposición itinerante Air Art de la Willoughby Sharp entre 1968 y 1969. También llamo “Clouds” a un espectáculo de danza contemporánea de la RaintForest que tuvo la coreografía de Merce Cunningham en el año 1968.

Música y editor de Sonido

En algún momento de su vida Andy Warhol toma la decisión de no separarse nunca más de una grabadora portátil que siempre iba con él a cualquier lugar y en la que dejaba grabado y registrado cualquier cosa que dijera alguien que estuviera cerca de él. Se refería a esta como “su esposa” y siempre era usada para tener material grabado que pudiera ser parte de sus libros. En Invisible Sculpture podemos ver una obra sonora de mucha importancia en donde se resalta la instalación de alarmas antirrobo que dejaban de sonar una vez se entrase a la casa.

Cápsulas del Tiempo

Las llamadas Cápsulas del Tiempo que comenzó a crear en 1973 es una pieza en donde el mismo recolectó muchos objetos de uso cotidiano, entre las que destacan cartas, periódicos, souvenirs, objetos que le pertenecieron de niño, billetes de avión, inclusive hasta restos de comida, todo lo iba guardando en bolsas selladas y los colocaba en cajas de cartón.

Cuando murió el artista, se contaron cerca de 600 cajas de estas, todas con su debida marcación, clasificación y fecha. Todas las cajas fueron llevadas después de la muerte del artista para ser parte de la colección del Andy Warhol Museum.

Andy Warhol y la Nada

Uno de los programas de la televisión que era el favorito de Warhol era The Nothing Special (Nada en Especial), este programa trataba sobre la nada uno de los temas que más le llamaba la atención al artista, a finales de su carrera decide crear dos programas de televisión Andy Warhol´s TV en 1982 y Andys Warhol´s Fifteen Minutes en el año 1986, este último de su célebre frase de los quince minutos de fama que toda persona tiene en la vida.

También participaba en sus propios programas y en otras series de televisión, en “El Bote del Amor” tuvo una aparición especial, además también hizo anuncios  para la cadena de restaurantes Schrafft´s de Nueva York y uno de postre de helado al que se le llamó Underground Sundae.

La Moda

Este era un tema muy importante para Andy Warhol, hay una frase que se le atribuye al mismo en donde dice que prefiere comprar un buen vestido y colgarlo en una pared antes que colgar un cuadro. Por tanto este era uno de sus intereses fundamentales por la que crea la revista Interview que se dedicaba a todo lo concerniente a la moda, y él era un experto en este tema.

Edie Sedgwick, una de sus grandes amigas llegó a decir que su verdadera intención era ser diseñadora de modas y otra de sus amistades Halston fue diseñador y tuvo un gran éxito en su momento. Su aporte a la moda se pudo plasmar en muchas serigrafías en tela, y una breve paso como modelo de pasarela, muchos escrito de moda y sobre todo por sus conocidos zapatos que pintaba a mano.

Performance

Andy Warhol hizo algunos montajes de obras de teatro, mutimedia y hasta aperturas para algunas fiestas en lugares públicos, en ellos hacia combinaciones de música, y presentaciones de diapositivas, incluso llegó a montar espectáculos de BDSM con Gerard Malanga vestidos con vinilo y usando un látigo, todo este trabajo termino resumiéndose en el año 1966 en el Exploding Plastic Inevitable.

Teatro

Una de las obra producidas por Andy Warhol fue “Pork” estrenada el 5 de mayo de 1971, en el teatro LaMama de Nueva York, estuvo quince días en escena y después fue llevada a Roundhouse de Londres para una larga gira en todo el resto del año. Esta obra estaba basada en una serie de conversaciones que hubo entre Andy Warhol y Brigit Berlin y de esta con su madre, fue presentada por Jayne County haciendo el personaje de Vulva y Cherry Vanilla en el personaje de Amanda Pork.

Litografías

Para hacer las litografías Andy Warhol se basaba primeramente en el uso de fotografías que eran tomadas bien sea por él mismo o por sus ayudantes, estas imágenes las tomaban en cámaras Polaroid, que esta empresa decidió seguir manteniendo en el mercado solamente para el uso particular de este artista. De allí es que él se aproxima a la puntura y de esta manera la forma en que él podía visualizar una aproximación entre la pintura y la foto instantánea pero de una forma muy personal.

Como fotógrafo Andy Warhol era muy notable y gustaba hacer muchos retratos de todos sus invitados a The Factory. A Warhol se le atribuye haber sido uno de los contribuidores al arte digital, usaba los ordenadores de tipo Amiga para hacer nuevas imágenes, estableció diferencias entre el Slow Fill y el Fasta fill a través de la programación directa de la televisión con Debby Harry haciendo de modelo.

The Factory en Nueva York

El estudio de Andy Warhol The Factory, debió cambiarse en varias oportunidades de lugar, pero siempre dentro del ámbito de la ciudad de Nueva York, este cambio se debía más que nada la cantidad de personas que asistían al mismo. En un comienzo estaba en la Avenida Lexington 1342, después de allí se mudaron a:

• 231 East de la 47th Street del año 1963 a 1967, en la actualidad el edifico fue demolido.
• De 1967 a 1973, estuvo en la calle 33 de Union Square.
• En la 860 de Broadway funcionó durante los años 1973-1984 muy cerca del 33 de Union Square; actualmente este edificio fue remodelado y es la sede de asesoría de Scient, que se dedica a realizar comercios virtuales.
• 22 East 33rd Street desde 1984 a 1987, el edificio hoy día no existe.
• La última casa de Warhol fue en el 57 East, calle 66 y su último estudio estuvo en la 158 de la Avenida Madison de Nueva York.

Como la cultura de masas era el tema de mayor importancia para Andy Warhol también gustaba de hacer transgresiones a las normas sociales. Para él la desnudez, sexo explícito, drogas y las relaciones entre homosexuales y transgéneros, eran situaciones normales. Todos estos temas que eran inaceptables en la sociedad neoyorkina de la época se reflejaban en la no proyección de sus películas sino solamente en cines gays que por lo general eran atacados por la policía y arrestados quienes las veían por inmoralidad.

El ambiente permisivo en The Factory era ideal para hacer bodas entre drag Queens, espectáculos porno, el amor libre era muy frecuente en este estudio, debido a que las costumbres sexuales estaban cambiando considerablemente en los años 60. Warhol fomentaba este tipo de libertad sexual y las usaba para filmar las relaciones sexuales de sus amistades para después incluirlas en las películas que realizaba.

Allí se podían encontrar drag Queens famosos como Holly Woodlawn, Jackie Curtis y Candy Darling. Las orgias eran algo muy frecuente en The Factory, antes de hacer su inauguración conoció a quien sería una de sus mejores amistades Ondine, un actor que estaba participando en una de estas orgías en otro club. Muchas celebridades pasaron por este estudio entre quienes destacan Truman Capote, Allen Ginsberg, Salvador Dalí, Bob Dylan, Mick Jagger, Brian Jones y John Giorno.

Otras personas que se puede decir que eran habituales en el estudio, y a las que se les llamo posteriormente las Warhol Superstars: Edie Sedgwick, Gerard Malanga, Ondine, Ivy Nicholson, Ingrid Superstar, Jeremiah Newton, Frank Holliday, Viva, Billy Name, Freddie Herko, Ultra Violet, Brigid Polk, Paul América, Penny Arcade, Bobby Driscoll, entre otros muchos visitantes.

Legado de Andy Warhol

A Andy Warhol se le han realizado varios monumentos y obras entre ellos están el Monumento de Andy del año 2012 realizado por Rob Pruitt y que se encuentra en la misma calle en donde funcionó el tercer edificio de The Factory en la Calle Broadway en Nueva York.

De igual manera de Artist Rights Society es quien hace la representación de todos los derechos de propiedad de sus obras en nombre de su fundación, exceptuando algunos fotogramas de películas, los cuales pertenecen al Museo Warhol de Pittsburgh. Además la fundación tiene una completa digitalización de todas las obras de Andy Warhol que son de exclusiva propiedad de Corbis. En tanto que todas sus diapositivas se gestionan por medio de Art Resource.

La fundación que tiene su nombre hizo una publicación especial por el 20 aniversario de su muerte en el año 2007, en tres volúmenes y es en la actualidad la mayor donante de becas para estudiantes de artes visuales en Estados Unidos. A los dos años de su muerte se realizó la “Canción para Drella” una obra con un concepto que fue solicitada por la Academia de Música de Brooklyn y The Arts at St. Ann´s de Nueva york, la cual tuvo la interpretación de su antiguo amigo Lou Reed y de John Cale.

Esta actuación fue grabada por Ed Lachman, el 6 de diciembre de 1989 y se mandó editar para formatos VHS y Laserdisc, posteriormente fue llevada formato de CD que se destacó por estar envuelto en una caratula negra de terciopelo diseñada por Sire Records. Drella era un apodo que la artista Ondine le dio a Andy Warhol y era una mezcla de Drácula y Cenicienta.

Esta obra hace una descripción de su vida y de las relaciones personales del artista. En el disco Reed le pidió disculpas al artista lamentando no haber tenido una reconciliación con el artista cuando estaba vivo. Además una semana antes de la muerte del artista se promocionó la película Factory Girls en donde trabajó la actriz Sienna Miller y Hayden Christensen, y en donde se detallaba la vida de Edie Sedgwich.

Existen dos museos que se encargan o se dedican a toda la obra de Andy Warhol, el de la ciudad de Pittsburgh, Pensilvania (Andy Warhol Museum) en la calle Sandunky 117, en ella se pueden encontrar más de 12 mil obras de Warhol siendo el museo que tiene más cantidad de obras de un solo artista en todo el país.

Y el Museo de Arte Moderno Andy Warhol que se fundó en el año 1991 por el hermano de éste John Warhola, con la ayuda del Ministerio de Cultura del Gobierno eslovaco y la Fundación Warhol de Nueva York. Este se ubica en la ciudad de Medzilaborce a 15 kilómetros de Miková, pueblo de donde provenían los padres de Warhol en Eslovaquia, muchas de las obras que aquí se exponen fueron donadas por la Fundación Warhol, entre ellos muchos objetos personales que fueron donados por parientes de Warhol.

Andy Warhol en las Películas de Ficción

En la película de Oliver Stone “The Doors” del año 1991, el actor Crispin Glover hace una interpretación de Andy Warhol, en “Basquiat” de Julian Schnabel del año 1996 fue interpretado por David Bowie, y en la película “I Shot Andy Warhol” de 1996 de Mary Harron fue interpretado por Jared Harris. En la ópera de Michael Daugherty “Jackie O” de 1997 se hace una interpretación de Warhol, y en la película de Hollywood Austin Powers (1997) el actor Mark Bringlesson hace una aparición como Andy Warhol.

El director de cine de vanguardia Jonas Mekas uso muchas imágenes de Warhol en sus películas, y Sean Gregory Sullivan realizó un filme para retratar la vida de este artista en la película 54 del año 1998. Gus Van Sant quiso hacer una película del artista con el actor River Phoenix en el protagónico pero por la muerte repentina del mismo en el año 1993 la misma fue cancelada.

En otra películas más recientes como en “Men in Black III”, se insertó un personaje con el nombre de Agente W, que era la personificación de Andy Warhol, y en donde este le pide al Agente K que le ayude a fingir su muerte para poder seguir una vida con normalidad. Aparte en los años 2001 y 2006 se hicieron dos documentales para rendir homenaje al artista, la primera de ellas fue producida por el polaco Stanislav Mucha (Absolut Warhola) y se rodó en la ciudad natal de los padres de Andy y la siguiente fue de Ric Burns (Andy Warhol: A Documentary Film).

Andy Warhol y su Vida Sentimental

Recientemente ha salido a la luz un libro en donde se muestra que detrás de la relación de amistad entre Andy Warhol y Jean Michel Basquiat, había algo más profundo, pasional y complejo. Warhol se sentía encantado por la energía y la audacia de Basquiat, pero también le molestaba que tuviera falta de autoestima, caía en depresiones y tenía muchos cambios de ánimo. Desde que lo había conocido, Warhol quedó unido a este hombre, todo comenzó en los años 70 cuando el joven Basquiat era solo un grafitero de la calle que vendía camisetas estampadas en el paseo de Greenwich Village en Nueva York.

Para ese tiempo ya Warhol era un hombre conocido en el arte contemporáneo, y se cuenta que ambos se conocieron en un restaurante de Soho, cuando el artista almorzaba con unos amigos y este joven se le acercó para ofrecer algunas postales pintadas por él mismo. En esa ocasión no hubo una conversación larga, pero después de algunos años cuando fueron presentados por el galerista Bruno Bischofberger, Warhol recordó haberlo conocido, y en su diario escribió el día 4 de octubre de 1982 que ese joven usaba el nombre de Samo, cuando se sentaba a pintar camisetas, y que al conocerlo lo había enloquecido.

Para ese año Basquiat contaba con 21 años de edad y estaba comenzando a subir dentro del ambiente artístico de la ciudad, por medio de grafitis llenos de mucho ingenio y con una gran energía al momento de pintar. Warhol por su parte estaba en una etapa de su vida llena de tranquilidad, lejos de esa energía que le había caracterizado a comienzos de su carrera, pero dentro de un aura de misticismo y de leyenda viviente en la ciudad.

Entre ambos existía una fuerte atracción, el mismo Bischofberger tomo una foto instantánea de ambos, y se fue a su casa a las dos horas ya estaba de regreso, con una pintura hecha a mano basada en la fotografía, ésta aún estaba húmeda. Desde entonces la relación pasó a ser algo más que profesional, y las carreras de ambos subieron a otro nivel. Entre ambos llegaron a pintar más de 200 obras, y cada uno pudo tomar del otro todo la energía y conocimientos que pudo.

En esta etapa Warhol manifestó un nuevo renacer a los ojos de la crítica y Basquiat logró ingresar al mundo de los artistas por la puerta grande. Esta relación simbiótica, era mutua, ambos se necesitaban. Andy siempre estaba en la búsqueda de algo que fuera nuevo y lleno de energía y en Basquiat encontró el elemento perfecto hipnótico, poético, enérgico, extremo e impulsivo; a su lado Andy fue más divertido pero siempre conservando su formalidad, y a lo lejos se notaba que Jean Michel idolatraba a Andy Warhol.

Esta relación se rodeó de muchos mitos, no solo que era amistosa, sino que en ella había amor y sexualidad, Andy Warhol era gay y Basquiat una persona muy sexual, pero en ellos, para muchos que los conocieron no había una relación romántica, sino que solamente podía haber una admiración, envidia y una dependencia mutua.

Esto se puede evidenciar en el libro “Warhol on Basquiat” en donde se encuentran una serie de imágenes inéditas que fueron proporcionadas por la Andy Warhol Foundation, en ellas se ve a los dos artistas abrazados, Andy viendo embelesado a Basquiat trabajando o ejercitándose, el grafitero acostado en una cama o ambos caminando por las calles de nueva York y posando al lado de Madonna o Grace Jones.

El libro está considerado algo más que una colección de fotos al azar sino de una investigación que sigue de cerca la amistad de ambos y de todos sus altibajos.  Para muchos críticos Basquiat tenía mucha más creatividad y talento que Warhol, pero era el temperamento tan cambiante de Basquiat y sus crisis depresivas lo que llegaban a agobiar a Andy Warhol. Decía que era una persona complicada y que nunca se podía determinar que animo tendría o que humor, que se ponía paranoico y pensaba en ocasiones que solo lo utilizaba, pero al poco tiempo el mismo se sentía culpable por su paranoia.

Esta paranoia en ocasiones se manifestaba porque pensaba que su fama sería algo pasajera. Poco después se iba al taller y comenzaba a pintar sin decir nada y era en estas ocasiones en donde ambos podían trabajar maravillosamente. Pero en ambos lo que más podía afectarlos era el ego, ya que después de tener una relación en donde había mucha admiración, en donde existía mucha dependencia y además era toxica, también sobre llegaban la envidia y los celos.

La mayoría de los rumores en su círculo más cercano es que Andy se aprovechaba de la juventud de Basquiat para dar una imagen de sí mismo renovada y que el otro solamente estaba cerca de Warhol para tener algo de su fama. Fue esta situación la que comenzó a agrietar la relación entre ambos y en 1985 Andy Warhol, escribía en su diario que la relación estaba distanciada.

El mayor de los golpes que pueden haber recibido fue la mala crítica que tuvieron en una de sus exposiciones en conjunto “Collaborations”, y en donde el The New York Times escribiría que Basquiat era solamente la mascota de Andy Warhol, desde entonces la relación ya no fue como antes. Al morir Andy en el año 1987 Basquiat cayó en una fuerte depresión, porque no se perdonaba que no haya podido hacer algo para que la relación entre ambos fuera como antes, después caería en el consumo de drogas y alucinógenos.

Un año después de la muerte de Warhol el joven Basquiat murió por una sobredosis de heroína a la edad de 27 años. A 30 años de la muerte de ambos, quedó claro que la fama que tuvieron no fue pasajera y que su relación de amistad no fue solamente para que dos talentos se unieran sino que se convirtieron en un encuentro explosivo que se puede ver en pocas ocasiones pero que llega a cambiar la vida y el mundo de una manera sorprendente.

Su amor por el Dinero

Desde que nació hasta su muerte la historia de Andy Warhol siempre fue la atención, por su apariencia, su cabello plateado y sus cejas negras, eran un distintivo que provocaba que las personas voltearan a verlo, supo vivir su vida de homosexual con total libertad en un tiempo en donde todos los que eran homosexuales se escondían para no ser atacados. Con tan solo 30 años de edad ya tenía el sueño de su vida realizado, era un artista famoso, con un buen nivel económico y muchas metas para conseguir más riqueza e inspiración.

Cuando le pidió a algunos amigos que le dieran ideas de que podía pintar una de ellas le pregunto que era aquello que más amaba en la vida, y desde entonces siempre pintaban dinero, una de sus obras 100 One Dollar Bills elaborada en el año 1962 se vendió en el año 2009 en una subasta por 43.7 millones de dólares. Muchos de los retratos que hacía a celebridades los realizaba usando variedad de colores para darle vida (Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor, Grace de Mónaco y Elvis Presley son ejemplos de ellas).

Supo incursionar en diversas facetas del arte: cine, teatro, fotografía, música, escritura, pintura, escultura y hasta en la moda. Para él hacer una obra de arte no era solamente elaborarla, cobrar un precio por ella y seguir adelante con otra, para Andy Warhol lo importante era crear un negocio en donde se incluyera la reflexión y la visión de ese arte para que lograran ser populares y que estas se mantuvieran en la mente de los consumidores para que su obra pudiera ser distintiva.

El arte que el mismo hacia debía llegar a todas las masas, esa fue la formación que tuvo de sus padres, y por ello hacia muchas copias para que pudieran llegar a cualquier persona del mundo. En la actualidad se considera que es el artista que más reproducciones tienen en el arte contemporáneo y que se ha impreso en artículos muy inesperados como camisetas, playeras, cuadernos, bolígrafos, etc.

Warhol en sus Propias Palabras

Como la mayor parte de la polémica en la vida de Andy Warhol era sobre su personalidad, sus excentricidades y su apariencia, este intentaba disimular esta condición. Desde pequeño sufría de alopecia por lo que debía usar pelucas de manera constante, en ocasiones las teñía para que las personas se fijaran en otras cosas.

Como su físico tampoco era de su agrado, en sus autorretratos con frecuencia arreglaba aquellas facciones de su rostro que no eran de su gusto debido a las secuelas de su enfermedad, y hacer nuevas facciones que le hubiera gustado tener en su rostro. Se sometió a una cirugía de la nariz para poder conseguir más seguridad en sí mismo ya que tenía una fuerte obsesión por su imagen corporal.

En el Museo Warhol se realizó una exposición en el año 2016 a la que le colocaron el nombre de “Mi Cuerpo Perfecto”, con 200 obras que nunca fueron exhibidas y entre ellas estaba cuatro pinturas de su rostro que las tenía por si en algún momento quería hacer un cambio radical de sus facciones. Otras de las incomodidades que sentía fueron las cicatrices que le quedaron después del atentado en el año 1968, pero dentro de todas ellas, Andy Warhol sabía muy bien quién era, cuál era su personalidad y la historia de su vida.

Andy Warhol el Hombre de Familia

Los padres de los hermanos Warhola, Andrej y Julia, hicieron un excelente trabajo con sus hijos, porque a lo largo de toda su existencia ellos siempre se mantuvieron unidos y fueron una prioridad en sus vidas. Siempre estuvieron en un contacto de manera constante, y se hablaban todos los días, sobre todo Paul y Andy, con el cual habló un día antes de morir, y en donde se evidenciaba su buen humor y le dio la promesa de hablar al día siguiente.

El lazo que los unía por su madre era muy fuerte desde niños, sobre todo en los momentos más duros de la enfermedad, y que hicieron que ella pasara más tiempo con su hijo. Esa fue una relación de lealtad que se hizo sólida luego de la muerte prematura del padre y que los llevó a ser más cercanos, al punto que era su madre quien firmaba la mayor parte de sus obras y textos. Andy Warhol vivió siempre con su madre desde 1952 hasta el año 1971 cuando ella falleció.

Andy Warhol era apegado a los fuertes principios familiares y este le llevó a ser creyente católico, por lo que asistía a misa todas las semanas y hacía servicio de voluntario en centro y refugios de acogida para las personas de la calle en Nueva York. La muerte de Warhol fue una sorpresa para todos sobre todo por la negligencia médica que la sustentó.

Aunque la operación de vesícula no era de alto riesgo, las condiciones de Andy Warhol si lo fueron, tenía una fuerte deshidratación, no había comido en días y la vesícula estaba en estado de descomposición. No era secreto que Andy Warhol le tenía miedo a los médicos y hospitales desde niño, y por tal motivo al sentirse mal en el comienzo este no quiso ir a ningún especialista, pero también es cierto que los médicos no tomaron en cuenta algunos aspectos de sus condiciones de salud para determinar si era el momento oportuno de realizar esta operación.

A pesar de haber seguido las instrucciones médicas y luego de lo complicado de la cirugía en donde salió en aparentes buenas condiciones, tanto que realizó algunas llamadas por teléfono desde la habitación del hospital, cuando comenzó a tener síntomas de asfixia que le llevaron a un estado de coma, que después terminó en su muerte, algo que él siempre había temido toda su vida.

Frases emblemáticas de Andy Warhol

Como toda una figura mediática Andy Warhol se caracterizó por dar algunas respuestas que quedaron para la historia de la humanidad y sobre todo del arte que el tanto apreciaba, entre ellas podemos mencionar las siguientes:

“No tengo creencia en la muerte, porque uno no se encuentra presente para conocer que en verdad, ésta ha ocurrido”.

“La idea no es que se viva para siempre, sino la de crear algo que si pueda perdurar siempre”.

“Hacer compras es mucho más americano que usar el pensamiento, por eso yo soy el colmo de lo más americano”.

“El Arte es todo aquello que dejas salir”.

“En un futuro todo el mundo tendrá fama por quince minutos, y todos deberían tener derecho a esos quince minutos de gloria”.

“Si en verdad quieres conocer todo sobre Andy Warhol, solo tienes que ver mis pinturas y películas y allí estaré, no hay nada más al respecto”.

“La Mayor inspiración viene de la televisión”.

“Tengo temor que si en algún momento uno fija su atención en una sola cosa por mucho tiempo, esta terminaría perdiendo su completo significado”.

“Nunca leo, solo veo las imágenes”.

“El arte por comercio es mejor que el arte por ser arte”.

Otras biografías que le podemos recomendar son las siguientes:

Biografía de John Lennon

Biografía de Sam Smith

Biografía de Justin Bieber